„Aas, die letzte Form“: Die Ausstellung im Recoleta Museum, die Berni, Forner, Maresca und Stern zusammenbringt

Antonio Berni , Raquel Forner , Liliana Maresca und Grete Stern sind nur einige der Künstler, deren eindrucksvolle Werke die Ausstellung Carroña última forma im Saal Cronopios des Centro Cultural Recoleta ausmachen, die von Carla Barbero und Javier Villa kuratiert wird. Der Titel ist eine Hommage an das gleichnamige Buch von Leónidas Lamborghini (1927–2009), einer der einzigartigsten und kraftvollsten Stimmen der argentinischen Poesie des 20. Jahrhunderts.

Sobald Sie die Eingangstür durchqueren, finden Sie an der Wand, die den Vorraum des Raumes bildet, Fragmente dieses 2001 erschienenen Buches : ein Werk voller Humor, Horror und Exzess, von einem Autor, der stets eine starke Verbindung zur politischen Geschichte des Landes aufrechterhielt, insbesondere zum Peronismus, der ihm als ästhetische und ideologische Inspiration diente.

Wie der Ausstellungstext andeutet, verleiht Lamborghini in seinem 2001 inmitten eines gesellschaftlichen und politischen Zusammenbruchs erschienenen Werk Carroña última forma „einem Vagabunden eine Stimme, der durch eine halluzinierende Stadt irrt: Die Worte sind Straßen, die Stadt ein verwesender Körper, und dieser Körper ist zugleich Poesie. Dieses Werk, das der Ausstellung ihren Titel gibt, wird hier in seiner Gesamtheit als notwendiger Prolog präsentiert.“

Dieser Beginn der Reise gibt den Ton und die Nuancen des visuellen Pfades vor , der im Inneren wartet und der – im Dialog mit diesem Werk – Aas nicht als Abfall annimmt, sondern als die ultimative Form: das, was fortbesteht, das, was aus dem Korrodierten spricht.

Die Ausstellung rückt damit eine argentinische Tradition des abwertenden Realismus in den Vordergrund, die fortbesteht und uns davon abhält, unseren Blick woanders hin zu richten . Was bei Lamborghini die Poesie der Trümmer war, wird hier zu einer gewaltigen kuratorischen Herausforderung, einer Reise, die Meister des 20. Jahrhunderts mit einer zeitgenössischen Szene verbindet, die es wagt, das Verachtenswerte, das Niederträchtige, das Berüchtigte zu bewohnen.

Die hier versammelten knapp vierzig Werke erforschen Figuren des verletzten Körpers, die Überreste der Geschichte und die Vorstellungswelt der Macht durch eine intensivierte, groteske, halluzinatorische und manchmal hyperbolische Sprache. Anhand von elf Künstlern verbindet dieser visuelle Essay die Avantgardebewegungen der Mitte des 20. Jahrhunderts mit zeitgenössischen Ausdrucksformen, die die Grenzen eines „deliranten“ lokalen Realismus erweitern.

„Die Ausstellung verleiht dem, was oft übersehen wird – dem Düsteren, dem Abscheulichen, dem, was wir nicht sehen wollen – Substanz, was aber ein zentraler Teil unserer visuellen und politischen Geschichte ist“, erklärt Kuratorin Carla Barbero gegenüber Clarín . „ Es gibt eine Tradition des abscheulichen Realismus , die in dieser Ausstellung auf die Spitze getrieben wird, bis hin zu Fabel, Allegorie und Delirium“, fügt sie hinzu.

Die Ausstellung zeichnet eine visuelle Linie nach, die mit Pionierfiguren wie Raquel Forner beginnt, deren Gemälde „La Victoria“ (1939) eine verstümmelte Frau als symbolische Transposition von Jesus Christus darstellt und die Schrecken des spanischen Bürgerkriegs und den Aufstieg des europäischen Faschismus anprangert.

Dieses Werk – mitten im Raum – hängt wie eine religiöse Figur von der Decke . Direkt darunter, auf einer makellos weißen Plattform, die die Atmosphäre eines Altars widerspiegelt, sind zwei Werke von Antonio Berni zu sehen. „La guerra“ (Krieg) und „La torturada“ (Die gefolterte Frau), beide aus dem Jahr 1976, bieten einen frühen Bericht über die Schrecken der letzten zivil-militärischen Diktatur.

Diese Idee des weiblichen Körpers im Mittelpunkt der Szene wird in einem anderen Werk ganz in der Nähe aufgegriffen: Grete Stern hat ikonische Fotomontagen für das Magazin Idilio angefertigt . In diesen traumhaften Bildern vereinen sich häuslicher Surrealismus, Genderkritik und symbolische Gewalt, die auch Jahrzehnte später noch aktuell sind.

In der Zeit nach der Diktatur fand die Spannung zwischen Körper und Geschichte in Liliana Maresca einen ihrer radikalsten Ausdrucksformen. In ihrem gefeierten Werk „Public Image – High Sphere“ (1993) tapezierte sie ebendieses Kulturzentrum Recoleta mit Porträts von Politikern, Militärs und Prominenten, dazwischen ein Aktbild von sich selbst: eine Grundsatzerklärung über den Körper der Künstlerin als öffentliche Person, als lebendiges Archiv eines Argentiniens in Trümmern und als Reaktion auf den Vormarsch des Neoliberalismus. „Maresca ist der Schlüssel zum Verständnis des Körpers als Katalysator sozialer Traumata“, bekräftigt Barbero.

Die Künstlerin Marcia Schvartz hingegen durchquert die Ausstellung wie eine zentrale Figur. „ Ihr Werk schlägt eine Brücke zwischen zwei Jahrhunderten “, so Barbero. „Mit einer einzigartigen Wildheit pendelt es zwischen dem Intimen und dem Politischen.“ Schvartz’ Installationen „Berniadas“ und „El ambiente“ „verwandeln die Überreste der Geschichte in eine wilde und aktuelle Erinnerung.“

Im Dialog mit dieser visuellen und politischen Genealogie aktualisiert eine neue Generation zeitgenössischer Künstler die Formen des Exzesses, des Grotesken und der Allegorie.

Verónica Meloni verkörpert urbane und geschlechtsspezifische Spannungen im öffentlichen Raum, während Verónica Gómez, Tobias Dirty und Santiago O. Rey ein groteskes und barockes Repertoire einsetzen, in dem das Abscheuliche und Monströse materiell und symbolisch verkörpert wird. „Alle teilnehmenden Künstler verfügen über eine einzigartige, kraftvolle Bildsprache und ein umfassendes Werk“, bemerkt Barbero.

Die Gestaltung der Ausstellung verstärkt die Spannung, die die Reise durchzieht . Die weißen Wände werden nach oben hin langsam dunkler und gipfeln in einer dunklen, düsteren, grau gestrichenen Decke.

Die ersten Werke im Raum stehen mit dem Rücken zur Tür, so dass man zunächst weiße Tafeln sieht , wie eine Verleugnung des Bildes, und dann findet man in der Mitte des Raumes diese Art Altar, in einer Montage, die sich zwischen Bildersturm und Verehrung bewegt.

„Uns ging es darum, ein Design zu schaffen, das die Strategien der Künstler widerspiegelt “, erklärt Barbero. „Die Leuchtkästen zum Beispiel (in denen Bernis Werke ausgestellt sind) erinnern mich an Straßenschilder, an die Werbung, die man beim Warten auf den Bus sieht: Bilder, die harmlos erscheinen, aber eine symbolische Gewalt in sich tragen, die wir nicht immer sehen wollen.“

Der Vorschlag ist von Anfang bis Ende von Spannung geprägt , und in dieser beständigen Sprache der Anspielung auf das Korrodierte spricht die Ausstellung nicht nur die Vergangenheit, sondern auch die Gegenwart an.

„Carrion, the Last Form“ kann im Recoleta Cultural Center, Junín 1930, besichtigt werden. Dienstag bis Freitag von 12 bis 21 Uhr, Samstag, Sonntag und an Feiertagen von 11 bis 21 Uhr. Freier Eintritt für Argentinier und Einwohner bis zum 30. September.